（封面图为John Ruskin的View of Amalfi，ps：john为工艺美术运动提供了理论基础）

       最新的UI设计理论都在主张最好的产品设计是通过“最少”的设计就能满足用户的所需，然而这种理念在界面设计中驱动着同一种审美。我们花几分钟在Behance和Dribbble看看那些漂亮的UI设计，你就会发现一切看起来都非常相似。我不认为这是因为设计师们疯狂地互相抄袭，而是他们都采用已经被其他人验证的UI设计模式。为了节省时间，设计师们越来越多地默认为快速原型工具或者不做设计，直接上代码，在浏览器里调效果。问题在于我们不从过去的这些做法走出来，并且我们经常冠以这些常见的设计模式为“精简的UX设计”。

       这些做法都让设计越来越标准化，疑问是：“一旦我们发现所有潜在问题的解决方案，会发生什么？”我们会否将来就不再需要设计师，因为每一个设计难题已经得到解决和规范？

       如果设计师不再试图用不同的方法解决同样的UI问题，并开始都只以他们的固有审美驱动新的设计，这究竟会发生什么？

       “为艺术而艺术”是一场19世纪早期的艺术运动，运动主张艺术并不需要是任何道德或实用功能的产物，而可以仅仅是自我的一种表现。该运动是当时社会和文化的过程中产业化中的反对声音之一，当然期间产生了很多优美的作品，这些作品后来甚至影响了运动想要推翻的系统（工业化，也属于一种反哺）。

       UI设计师是否应该放弃他们固有的分析视角，并且像19世纪那些寻求降低工业化对艺术的影响的艺术家一样思考自身和设计？是否是时候在设计过程中增加更多“艺术性”？

       当然，任何有尊严（节操）的设计师会根据他们的设计选择一些客观标准，但也许我们应该在用户界面中添加一点乐趣，并看看会发生什么。也许我们会发现做事情的新方式，也许那样更能将我们内在的奇思妙想和品味跟用户分享。

       l’art pour l’art’ 为艺术而艺术

译者的个人解读：

       译者其实近来对整个UI行业都颇为迷茫，究竟怎么走出自己的路做出不同的东西来。打开手机相同类型的应用都长得差不多，内在的交互逻辑基本相同，简直就变得像电影中的类型片一样，越来越无聊了，看片名套路剧情都能猜出个8成出来。看到这文后我自己本身也很有感触，虽然可能这些文章都比较泛并没有指出实际解决问题的方法，但我们都知道“唯美主义运动”对19世纪后期的“工艺美术运动”起了积极的影响（工艺美术运动又影响到后来包豪斯等现代主义运动，成功当然不是一次偶然而是环环相扣和不断累积的），只有更多行业内的从业人员对自身的反省和追求更美好的东西，整个行业才能变得更好。如今UI行业真的是“鱼龙混杂”，就单单是UI本身就混合了多学科的知识点，但又有多少人真正去关心了解这些东西？我们作为一个“设计师”又怎么持续地自我增值，这些问题都是值得思考的。