前言：用户体验的5WH

5WH是做用户体验经常用到的经典法则，简单来说，5WH是美国政治学家拉斯维尔在1932年提出的一种帮助我们完成任务的分析工具，它在企业管理、学术研究、生产控制、日常生活等各个方面都得到了广泛的应用。5WH需求分析法具体指： WHAT、 WHO、 WHERE、 WHEN、 WHY、 HOW。

本文将通过5WH法则去详细阐释现代艺术，第一部分：用5WH理解现代艺术史，第二部分：用5WH分析现代艺术运动；第三部分：用5WH鉴赏现代艺术作品。如下图：

好了，废话不多说，开始吧

第一部分：用5WH理解现代艺术史

一、WHERE——现代艺术的起源地和流行区域

现代艺术（Modernism/Modern Art，约1916——1960），它是近一百多年来产生于欧美的主要艺术运动和艺术流派，也被称作国际现代艺术运动。

现代艺术是区别于传统的、带有前卫和先锋色彩的、各种艺术思潮和流派的总称。它的特点在于打破艺术家、作品和观众之间的区别，主张艺术干预人类生活，深受现代社会文化影响又立足批判现实社会对人性的压抑。

西方现代艺术由各种不同类型的视觉风格组合而成，是基于科学和理性基础上建立的，是西方数百年来的思想文化核心。

法国工业革命后，艺术家们表现出极大的愿望，要摆脱以前支配美术的传统方面，转而创作旨在捕捉现代工业生活中的经验和价值观的艺术品。艺术家们开始利用新图像、新材料和新技术来创作他们认为更能反映现代化社会中存在的现实和希望的艺术作品。这一运动反映了艺术家对创造新形式的艺术、哲学和社会结构的巨大渴望，也同时反映了世界的新发展趋势。

现代主义艺术本质上是创意世界对工业化技术进步所提供的新生活和思想的理性主义习俗和观点的回答。艺术家们试图以创新的方式表现他们对现代生活的体验，而不管他们的艺术流派是什么。因此，现代艺术的艺术家们拒绝传统风格和价值观，而是将他们自己的观点融入他们的作品中，并完全按照他们在世界上的存在来描绘他们的主题。

艺术家们在运用新技术来全面地表现当代生活的同时，也在努力将自己与外界沟通的情绪与心理，作为当代艺术的一大要素。

二、WHEN ——现代艺术的历程

现代艺术的发展经历了几个重要阶段，现代艺术的产生是从1860年代的印象派的叛逆开始的。从19世纪60年代至今 ，现代艺术经历了印象派、野兽主义、立体主义、未来主义、表现主义、俄国的至上主义与构成主义、荷兰的风格派、达达主义、超现实主义、抽象主义、波普艺术等，这是一部艺术家的叛逆和革新的历史。

三、WHY——现代艺术的起源背景

1、学院派的过分保守

19世纪的法国，学院派把守艺术殿堂的大门，官僚又保守。他们制定艺术的规则，决定绘画的内容和风格，同时评判艺术家作品的好坏和经济价值。

学院派的这套标准已经沿袭了几百年，他们期望艺术家们以神话、宗教形象、历史或者古典风俗习惯为基础，用一种把主题理想化的风格来创作他们的作品。学院派判断一件艺术品，凭借的标准是颜色是否精细调和，主题是否经典，线条、技法、人物塑造是否符合“理想化”的表现等等。

2、年轻画家渴望创新

然而年轻画家对这些陈规感到厌倦，他们希望打破这套规则，走出画室，到大自然中去，捕捉周围真实的现代的世界，这在当时是叛逆而大胆的举动。

传统艺术描绘的主题，是以宗教或者神话故事、历史典故为主的，很少有表现普通人的主题，但印象派画家，他们更多地把真实的“人”作为画作的题材，更好地展现“人性”而不是传统艺术更青睐的“神性”。

3、工业革命的影响

19世纪中叶，西欧工业革命是世界历史上最重要的转折点之一。随着内燃机、大型机械工厂和城市发电等技术的发明和广泛应用，人们日常生活的节奏和质量发生了巨大变化。许多人从农村农场迁移到城市中心寻找工作，将生活重心从农村的家庭和乡村转移到不断扩大的都市。

4、战争的影响

一战给欧洲及其所接触到的每一个人的思想带来了毁灭性的影响。战争结束后，艺术创作发生了明显的变化，城市也开始迅速扩张，这导致艺术家、作家、哲学家的观点和信仰开始与战前不同。

一些艺术家在他们的现代作品中转向美、秩序和和谐的概念，以抵消战争留下的混乱、分离和丑陋。其他人则开始在他们的作品中将个人描绘成空洞和幽灵般的人物，试图指代战争造成的破坏。这一点在德国表现主义运动部分中非常明显。一些艺术家认为回到战前立体主义和表达是不可能的，因此展示了一种新的表达形式：既能恰当地捕捉他们当前的时代，又不会显得那么残酷。

5、科学技术的影响

与现代艺术密切相关的一个主要技术发展是摄影。摄影技术迅速发展，在几十年内，一张照片可以完美地再现任何场景。随着科技的发展，摄影越来越容易为大众所接受。从概念上讲，这张照片对代表一个主题的古典艺术模式构成了严重威胁，因为雕塑和绘画都无法捕捉到与摄影相同程度的细节。由于摄影的精确性，艺术家们不得不寻找新的表现方式，这也导致了艺术新范式的产生。

现代艺术的创作，与科学思想密不可分，结构主义与立体派，工业技术思想与未来派、风格派，机械制造形式与达达派的机械图纸绘画，弗洛伊德的释梦学说与超现实主义，还有以理性手法表达非理性的抽象表现主义等。

6、思潮理论的涌现

在新旧世纪交替的时间里，大量思潮理论涌现，新的自然理论一尤其是进化论，宣称人类的进化超出人力左右的范围，只不过是自然界的偶然现象。艺术界也发生了变化，一部分艺术家认为艺术只为艺术本身而生存，并不必承担陶冶情操之类的任务。由此艺术开始远离普通人。到了两次世界大战前后，追求“终极现实本性”的目的被当时的部分哲学家否定，艺术家则远离大众审美，与传统概念也发生激烈的冲突，否定主题、否定“理智”、否定审美原则。

四、WHAT &WHO ——现代艺术的主要运动和代表

现代艺术包括象征主义、表现主义、流行主义、未来主义、超现实主义、后期印象主义等等。这个时期的绘画主义种类繁多，创作方法也各异，但有一点却是共同的，即否定内容对形式的决定作用，探索和追求新的艺术表达语言，宣布和传统艺术表现的一切法则彻底决裂，创作最新的“现代”的艺术。

现代艺术多以批判的姿态出现，以丑陋的形体表现，是一种典型的审丑艺术。这是对现行制度极端不满的表现；是内心充满焦虑和痛苦的表现；也是对传统艺术无法超越而走向背叛的表现。

从根本上说，当代艺术是一个有着众多运动的时代，类似于这些运动，他们拒绝了所有的传统艺术的单一特性，从而使得他们具有其自身的现代性。

五、HOW——如何理解现代艺术史？

尽管现代艺术没有单一的定义特征，但它在一些运动中融入了各种重要特征。

1、第一个特征是大多数现代艺术运动试图通过使用拼贴艺术、组合艺术、动画、摄影、大地艺术和行为艺术等风格来创造一种新的艺术类型。

2、第二个特征是大多数现代画家在创作艺术时都试图使用新材料，例如将报纸和其他物品的碎片附着在画布上。一个很好的例子是艺术家马塞尔·杜尚，他通过他的标志性艺术品普及了现成物品的使用，这些艺术品基本上是用垃圾创作的。通过使用各种新材料，创造了一种组合艺术，这使得一些艺术家可以将各种不同的普通材料组合在一个单一的作品中。

3、第三个特征是对色彩的生动运用，大多数现代主义者将色彩情绪融入他们的作品之中，使用这种手法最多的是野兽派和表现主义，在这些流派中的艺术家倾向于以各种方式利用色彩来强调他们试图传达的情感。

4、最后，这些现代主义运动中使用的第四个特征是新技术的发明。这方面的例子包括超现实主义艺术家发明的自动绘图，以及波普艺术家引入艺术的圆点和丝网印刷。

现代艺术从1860年代的印象派开始，到今天这150年来的发展历程，实质上是一部艺术家不断打破传统，追求革新的历史，也是艺术家不断简化和去除的过程，从具象到抽象，从写实到观念的发展过程。

第二部分：用5WH分析现代艺术运动

一、印象派 Impressionism （1862-1892）

印象派诞生于法国19世纪后期，是西方绘画史上一个划时代的艺术流派，因莫奈的《日出印象》而得名。该派反对当时学院派的保守思想和表现手法，倡导走出画室，在户外阳光下直接描绘自然景物，追求光色变化中表现对象的整体感和氛围，以迅速的手法把握自然界瞬间的印象，使画面呈现出新鲜生动的感觉。

印象派一反过去宗教神话等主题内容和灰褐色调，使欧洲绘画出现发挥光色原理加强表现力的新方法，对绘画技法的革新有很大影响。

二、后印象派 Post-Impressionism（1880-1914）

后印象主义是法国19世纪后期的画派，追求主观世界的表现，反对印象主义片面追求客观光色效果的狭隘目标，使用写意手法，追求平面效果，画面空间变形，有强烈的个人风格和艺术表现力，代表画家：塞尚、高更、梵高。

后现代印象派继承了印象派注重对客观事物的表现，探索运用科学的方法研究艺术，即纯形式的追求。后印象派是印象派之后背离了印象派风格的艺术流派。他们早期的作品大多属于印象派，但渐渐不满意印象派固有的表现方法，不满意仅仅捕捉瞬间即逝的色与光，而把注意力转向主观的再创造，着重表达自己的艺术追求与感情个性。他们追求的更多是表现性的笔触，用色彩去塑造物体的体积感、量感，以及绘画的装饰性和造型性，即开拓了理性模仿自然、情感大于形式、原生态重于文明的新空间。

印象主义、后印象主义的联系与区别

后印象主义的脉络发展：

三、象征主义  Symbolism（1880-1910）

19世纪80年代至90年代，艺术界的象征主义思潮活跃于法国、英国、德国和北欧等几个国家，并且与“新文化运动”有着密切的联系，这对20世纪西方现代主义美术的产生和发展起着重要作用，立足于主体的精神世界，反叛学院的僵化，对抗印象主义和现实主义；象征主义美术导致了19世纪末神秘主义和唯美主义趣味的产生，也导致了对风格的追求。

象征主义艺术是象征主义思潮在艺术上的体现，它强调主观、个性，以心灵的想象创造某种带有暗示和象征性的神奇画面，不再把一时所见真实地表现出来，而通过特定形象的综合来表达自己的观念和内在的精神世界，在形式上则追求华丽堆砌和装饰的效果。

四、野兽派 Fauvism（1899-1908）

1905年巴黎秋季沙龙上，一群以马蒂斯为首的年轻艺术家展示了他自己的油画作品，因为这些作品所表现的物体形态和色彩被变形、夸张，呈现出一种与传统美术不相容的表现力，人们称之为野兽，因此得名。

野兽主义画法狂放，形体夸张，色彩刺激。该派画家和印象派画家一样，以直接写生方法作画，并将凡高，高更的情感化色彩与赛尚的形式结构结合起来，使用纯色，手法写意，追求单纯化的美学效果。

五、表现主义 Expressionism（1905-1933）

表现主义是十九世纪末到20世纪活跃于德国的一个艺术派别。表现主义艺术家对资本主义的都市文明不满，对压制人性和个性的机械文明十分反感，并从东方和非洲艺术中汲取营养。所以在艺术上，他们反对机械地模仿客观现实，而主张表现精神的美和传达内在的信息，强调艺术语言的表现力和形式的重要性。

表现主义反对现实主义和自然主义，不对客观事物做忠实描绘，而是强调表现和宣泄感情的重要性，以幻想重新创造一个世界图像。代表人物是挪威的蒙克，他的作品带有强烈的主观性和悲伤、苦闷的情调，其代表作有《呐喊》等。

表现主义是一个阵容最大、声音最高、波及面最广，影响相当深远的流派。它策源于德国、发轫于戏剧，以美术为前导、席卷几乎所有文化艺术领域，是一股强大的思潮。原创力强，由压抑的精神力量造成强烈的视觉效果，对于人的感官刺激，既是知觉的，又是心灵的。

六、立体主义 Cubism（1907-1922）

立体主义是西方现代艺术史上的一个运动和流派，又译为立方主义，1908年始于法国。

立体主义的艺术家追求碎裂、解析、重新组合的形式，以许多组合的碎片形态为所要展现的目标。他们从许多角度来描写对象物，将其置于同一个画面之中，以此来表现最为完整的形象。物体的各个角度交错叠放造成了许多垂直与平行的线条角度，散乱的阴影使立体主义的画面没有传统西方绘画的透视法造成的二维空间错觉。背景与画面的主题交互穿插，让立体主义的画面创造出一个二维空间的绘画特色。

立体主义的意义在于空间处理的新观念，它是主宰20世纪艺术中抽象的和非具象的绘画流派的直接源泉。它在艺术形式上的探索，在二十世纪的最初十年影响了全欧洲的艺术家，并激发了一连串的艺术改革运动，如未来主义、结构主义及表现主义等，对现代工艺美术、装饰美术、建筑美术等注重形式美的实用艺术领域起到了明显的推动作用。

七、未来主义 Futurism（1909-1944）

未来主义是意大利20世纪初期的艺术运动，特点是利用立体主义分解形体的方法，表现急速的美，为了达到表现速度和运动的目的，他们偏爱如行驶中的汽车、火车、自行车，运动中的舞蹈和动物之类题材。未来主义着力表现运动感，歌颂进取性的运动、速度的美、机器文明和城市的动乱生活，肯定战争、暴力、恐怖，借助幻象表现生活。

八、达达主义 Dada（1916-1924）

达达主义是1916年至1923年间出现于法国、德国和瑞士的一种艺术流派。它是一种无政府主义的艺术运动，由一群年轻的艺术家和反战人士领导，他们通过反美学的作品和抗议活动表达了对资产阶级价值观和第一次世界大战的绝望，试图废除传统的文化和美学形式以发现真正的现实。达达主义集中体现了现代主义思潮批判传统道德观念和美学观念的批判精神，代表人物有杜桑、布洛东、阿拉贡等。

达达主义公开蔑视艺术的一切现有形式，反秩序，反系统化。他们运用理性的方法抨击人类，将人性化的内容与机械原理结合起来，并使用现成品作为艺术创作，艺术手法抽象怪异，完全突破了西方已有的艺术观念和形式的束缚，被认为是后现代主义的创造者。

九、构成主义 Constructivism（1915-1930）

构成主义设计运动是十月革命胜利后，在苏联一批激进的知识分子当中产生的前卫艺术运动和设计运动，是在立体主义影响下衍生出来的艺术流派，与荷兰风格派运动和德国包豪斯齐名，但在1925年因遭斯大林反对而未能获得进一步发展，因此不像德国现代主义那样能产生世界性影响。苏联构成主义运动是具有社会主义色彩的，为革命进行的设计探索运动。

十、超现实主义 Suprematism（1913-1920）

在两次世界大战期间，超现实主义兴起于一战时期的法国，并波及欧美其他国家，对视觉艺术的影响最为深远。超现实主义是瑞士“达达主义”与法国象征主义结合的产物。1924年，布勒东发表了《超现实主义宣言》，声称现实世界之外存在着一个更真实的“无意识”或“潜意识”世界。超现实主义强调人类服从潜意识的召唤，写梦，幻想，以及写作中的巧合。主张通过“自动画”来再现梦境、直观、巧合。

超现实主义画家们把潜意识当作一种解放自己的方式。他们对理性主义与现实主义嗤之以鼻，并且受到了心理分析的深刻影响，他们相信，理性思考会抑制想象的力量，必须通过禁忌加以抑制。超现实主义希望通过精神揭示现实世界的矛盾，推动革命，凸显个人的想象力，使自己置身于浪漫的传统之中，然而，他们却不相信，人们可以从街道、生活中找到灵感。超现实主义通过发掘潜意识中的超现实主义欲望，并对神秘与原始主义产生了浓厚的兴趣，从而形成了一系列至今仍具有深远影响的艺术流派。

十一、抽象表现主义 Abstract Expressionism (1943-1965)

抽象表现主义是第二次世界大战以后产生于美国纽约的艺术思潮，又称行动绘画或纽约画派。它强调作者行动的自由性和无目的性，把创作行为本身提高到重要位置。抽象表现主义艺术家大多反对以往绘画的完整性与技巧性，反对“形象”和“形式”，推崇即兴式的创作与技巧的自由发挥。

波洛克创造了一种滴彩技法，他使绘画脱离架上艺术，也使纯视觉意义的抽象艺术进入一种带有行为意义的表现艺术。而威廉·德·库宁的艺术绘画往往介于抽象与具象之间，他的作品多以女人为题材。

十二、波普艺术 Pop Art（1950-1970）

波普艺术，20世纪50年代产生于英国，后来广泛运用在美国艺术中，是一种大众流行的艺术现象。POP来源于英语“大众化”(Popular)。波普艺术主张艺术反映生活，把生活中最常见、最流行、最熟为人知的物品搬进画面中来，并用最普通、最流行、最熟为人知的方式加以表现。它与传统艺术观念完全不同，以极其庸俗化的新奇、古怪的“艺术”形式表达人们对社会的认识、反叛和某种象征意味。

波普艺术家用他们在生活环境中所接触的材料和媒介来制造大众能理解的形象，以使艺术和工业机械文明相结合，并利用大众传媒加以普及，使之成为一种消费文明的艺术。波普艺术的精神是准确捕捉大众文化的内涵，至于用何种具体的形式，艺术家们有广泛的自由。

波普设计反对现代运动的“少即是多”的主旨，这也导致了二十世纪七十年代的激进设计。它从新艺术、装饰艺术、未来主义、超现实主义、光效艺术、幻觉艺术、东方神秘主义、太空主义中汲取营养，并在大众传媒的助长下茁壮成长。波普设计的影响深远，也为后现代主义的发展奠定了基础。

十三、行为艺术 Performance Art（1910-1960）

在二十世纪五六十年代，欧洲出现了一种现代艺术形式——行为艺术。艺术家亲自介入、精心策划、推出一个行为或事件，通过与人交流，逐步发展、形成结果，人们将这一事件或过程称为行为艺术。

行为艺术家把现实本身作为艺术创造的媒介，并以一定的时间延续。行为艺术的鼻祖是法国著名艺术家伊夫·克莱因（Yves Klein，1928—1962），其代表作品是1961年他张开双臂从高楼自由落体而下的《自由坠落》。

行为艺术的四个基本要素：时间、空间、表演者或者表现媒介，以及表演者和观众之间的关系。行为艺术可以是现场表演的也可以是录制的、可以是即兴的也可以是有计划的、有剧本的，表演者可以在现场，也可以缺席的。行为艺术可以发生在任何地方、任何场合、任何时间。个人或团体在特定地点和特定时间的行为也可以构成一件行为艺术作品。

十四、极简主义 Minimalism（Early 1960s-Late 1960s）

极简主义（Minimalism），又称微模主义，并不是现代所称的简约主义，它是20世纪60年代所兴起的一个艺术派系，又可称为“Minimal Art”，作为对抽象表现主义的反对而走向极致，以最原初的物自身或形式展示于观者面前为表现方式，意图开放作品自身在艺术概念上的意象空间，让观者自主参与对作品的建构，以尽可能少的手段与方式感知和创造，即要求去除一切多余和无用的元素。

极简主义可以被看作是对抽象概念的延伸，即艺术应该有它自己的现实，而不是对其他事物的模仿。我们通常认为艺术代表了现实世界的一个方面（风景，人物，甚至物品），或反映一种经历，如一种情感或感觉。在极简主义中，艺术家并没有尝试去表现一个外在的现实，艺术家希望观众只对他们面前的东西作出反应。作品所用的媒介(或材料) ，以及作品的形式就是现实。极简主义画家弗兰克 · 斯特拉曾有一句名言：你所看到的就是你所看到的。

极简主义的发展与概念艺术的发展息息相关。这两个运动都对现存的艺术制作、传播和观赏结构提出了挑战，认为对艺术品的重视是错位的，这也导致了一个只有少数特权阶层才能享受的僵化和精英主义的艺术世界。在美学上，极简主义艺术提供了一种高度纯化的美的形式，它也可以被看作是真理、秩序、简单以及和谐等品质的体现。

第三部分：用5WH法则鉴赏现代艺术作品

相比传统的经典的艺术作品，鉴赏现代艺术作品是个普遍的难题。英国泰特美术馆帝国的掌门人尼古拉斯·塞罗塔爵士就坦白说自己对此感到困惑。有一次，尼古拉斯·塞罗塔跟作者说，“当我进入艺术家的工作室，第一次见到某件新作品的时候，我会有点‘害怕’，我常常不知道该怎么想，这让我觉得非常可怕”。尼古拉斯·塞罗塔是现代艺术界一个公认的可谓世界级权威的人物，他面对新作品尚且觉得害怕，不知道应该作何评论，我们该怎么办呢？其实不用担心，用5WH也可以对现代艺术品进行鉴赏？如下图：

一、鉴赏原则

评判一件当代艺术作品是好还是坏并不重要，对鉴赏者来说，理解它在什么时候什么地方出现以及它背后的故事，它之所以被创造的原因，比较重要。换句话说，不要直接去评判一件现代艺术作品，去了解它背后的故事，然后根据它背后的理念、想法等来判断。

假设你周末去看了一个画展，朋友问你那幅画怎么样啊？这时候，最重要的不是直接回答它好还是不好，你可以试着给朋友讲你了解到的这幅画背后的东西，包括它创作的年代，创作的独特风格以及创作的来龙去脉。你可以描述这幅画给你的感受，你真实的感受，比如你很喜欢，或者你完全不喜欢，又或者你根本无感，不知道这幅画在表达什么。其实，不知道一件艺术品在表达什么，在现代艺术中很常见。很多大师级的、权威人士也会说：我对艺术一无所知，尤其是现代艺术。

二、抓住艺术的特性

艺术有三个特性：创造性、真实性、稀有性。理解了这一点，你就能更好地理解现代艺术。

这些特征在后现代艺术中尤为明显。最初的后现代艺术形态的产生是对现代主义中最后的辉煌一一抽象表现主义的反叛和挑战。例如，杜尚认为艺术家应更重视创作作品的意图而不是它的表现形式，并可以把各种现成的东西直接应用到自己的作品中，这种“现成物品”概念成为后现代艺术的一个重要特征。

二战后，后现代艺术创作的重心从物质形式的探讨转向精神层面，“观念艺术形态”是这一时期最鲜明的特征之一，也是整个后现代艺术的核心。

三、探究根本

如何理解现当代这些看上去怪异的艺术？为什么他们可以被称为艺术，甚至在艺术史上占据重要的地位？探究其根本，对现代艺术作品来说，最重要的不再是作品本身，而是作品背后的理念和艺术家对艺术的探索和思考。

印象派艺术家去掉了更多的视觉信息和细节。来捕捉转瞬即逝的光线。比如野兽派更强调情感特质，再比如立体主义，从多种角度观察一个题材，把人物或事物抽象成一些简单的几何图形来表现。

而且随着摄影技术的发展，给绘画艺术带来了不小的冲击，照相机把画家从日复一日地生产复制品的工作中解放出来，让他们不再局限于写实，而是去探索更多的新的表现方式，这些新的表现方式可以激发观众过去从来没有被激发的想法和感受。

艺术家变得更加自由，可以更加天马行空地表现艺术，他们不断简化题材，把过去一笔一画描绘一个人的表情、细节的方式，变成抽象地表现一个人的表情，而不需要看清他的脸。或者通过扭曲一个人的面部特征，把他的身体变成几何图形拼贴起来的方式来表现他的状态。

四、举例

1、安迪·沃霍尔的《金宝汤罐头》

安迪·沃霍尔是波普艺术的代表人物，他的《金宝汤罐头》非常有名，但是大多数人还是有一个疑问：这就是艺术吗？该如何欣赏他的艺术作品？如何理解他的艺术？

拿安迪·沃霍尔的《金宝汤罐头》来说，这件作品有32个小画布，每个画布是一个独特口味的金宝汤罐头，金宝汤是美国首屈一指的罐头汤生产商，有经典番茄汤、鸡茸蘑菇汤、传统豆子汤等等，一共32种口味，整齐地排列好，一共4排，每排8个口味。

安迪·沃霍尔想表达什么理念呢？原来，安迪·沃霍尔出道的时候是画商业广告画的，他用重复的连排的罐头画来挑战“艺术应该是独创的”这个传统的规矩。1962年，他以这32幅罐头系列画举办了自己的首个波普艺术展，直到今天，这32罐罐头仍在世界现当代美术史上占据一席之地。有评论家评价他的作品是用商业元素“打破了高雅和通俗的界限”。也就是说，总统可以吃金宝汤罐头，喝可乐，你也可以吃，也可以喝可乐，你吃的喝的跟别人一样，不会因为他是总统就比你吃的罐头好吃，因为在现代商业世界，罐头、可乐都是批量生产的。这就是沃霍尔要表达的理念。

2、伊夫·克莱因的《蓝色单色画》

再来看第二个例子“国际克莱因蓝”。法国艺术家伊夫·克莱因对“蓝”有着深深的执念，他认为蓝色是天空，是水，是空气，是深度和无限，是自由和生命，蓝色是宇宙最本质的颜色。

1957年，他在米兰画展上展出了八幅同样大小、涂满近似群青色颜料的画板——“克莱因蓝”正式亮相于世人眼前，从此，这种色彩被正式命名为 “国际克莱因蓝”（International Klein Blue，简称IKB）。

克莱因认为，只有最简单的颜色，才能使人的灵魂产生最强烈的情感。有些画家为了追求艺术的活力而使用多种颜色，克莱因更倾向于简单。“克莱因蓝”的 RGB比例是0:47:167，但再清晰的数字也无法让人在看到它时产生的震撼感，蓝本身就代表着天与海，代表着无边无际，而“克莱因蓝”则纯粹得难以与之相配，因而给人一种强烈的视觉冲击。蓝色是理想的蓝色，绝对的蓝色，它的清澈和空灵常常会让你迷失。

其生命的最后7年，也是他的创作高潮持续的7年。在这期间，克莱因以非常个性化的蓝色为战后的欧洲艺术领域开辟了一个崭新的“感觉空间”。他用合成树脂混合蓝色颜料而得到的高贵而静穆的“克莱因蓝”，出现在他的大多数作品、绘画和雕塑中，如《蓝色单色画》《人体测量术》《海浪》《维纳斯》。

3、杜尚的《泉》

我们再通过一个艺术史上著名的例子来看这个问题。一百年前，1917年，法国艺术家马塞尔·杜尚买了一个男士用的小便池，把它命名为“泉”，杜尚在上面签了名，把它作为艺术品送去美国的独立艺术家展览去参展，但是被拒绝了。几十年以后，艺术界开始追认这件作品的艺术价值。很多人质疑：这是艺术吗？一个小便池，取一个名字，就是艺术品？我们是不是被他愚弄了？

杜尚的观点是，能否称为艺术，最重要的是理念，而不是物体本身。而且，能否称为艺术，应该由艺术家说了算，艺术家决定什么是艺术品，什么不是艺术品。这个观点在当时引发了一场革命。

要理解这个观点，需要了解一下当时的时代背景。为什么杜尚要这么做？为什么他要强调艺术家对于什么是艺术的决定权？因为在艺术历史上，长期是由学院派机构来决定一个艺术家能否参展，杜尚要挑战这些保守派和保守机构，他提出了新的原则，那就是艺术品应该由艺术家来决定，如果一名艺术家交了参展费用，那他的作品就应该被展出，不需要一个保守机构来决定哪个艺术家可以参展，哪个艺术家不能参展，和我们前面提到的印象派画家的反叛一脉相承。

当时，保守派赢了，杜尚的艺术品被拒绝参展，但是杜尚的理念得到了艺术界的追认，他的那件瓷器小便池就成了一件特殊的艺术品，是一件带有某种理念和态度的艺术品。而且很快，就出现了复制品，全世界总共发现了15件杜尚签名的《泉》的小便池的复制品。

结尾

现代艺术的历程是艺术家不断简化和去除的过程，从具象到抽象，从写实到观念的发展过程。

这些作品为什么可以当作重要的艺术品来对待，因为这些艺术品在艺术的发展过程中都起到了变革的作用，这背后有艺术家对于艺术形式的探索和艺术观念的思考，他们希望不断打破传统，来反映真实的世界和真实的人的生活。要鉴赏一件现代艺术作品，需要先去理解这些作品它在什么时候、什么地方出现以及它背后的故事，还有它因为什么原因被创造出来。

以上是本文的全部内容，末尾回顾一下三个重点：

参考资料：

[1][英] 威尔·贡培兹.现代艺术150年[M].王烁,等,译.北京:师范大学出版社,2017.

[2]https://www.theartstory.org/

[3]https://artsandculture.google.com/

[4]https://en.wikipedia.org/wiki/Modern_art

附注说明：

[1]脑图和图表来源：笔者绘制

[2]文中引用视频来源：bilibili.com

[3]画作和画家肖像图片来源：https://www.theartstory.org/；https://gallerix.asia/

Powered by Froala Editor