让我们回顾提升一下对艺术和设计史上这些主要时期的知识。

作为一个设计师，灵感可以来自任何地方。有时影响、态势和方法汇聚在一起，形成一个连贯的艺术运动，在世界各地产生连锁反应。

在过去的几个世纪里，已经有数百种不同规模和意义的艺术和设计运动——一些集中在一个特定地方的特定艺术家群体的风格或方法上，另一些跨越了许多创作学科，被诠释得更加系统化。

不管它们发生在150年前还是30年前，今天仍然可以感受到它们的影响力——你甚至可能在不知情的情况下感受到它们的影响力。这些东西经常会循环往复的，尤其是当代复古美学的潮流。所以，掌握一点艺术史的知识，对开拓思路，获得设计灵感，是很有用的。

请继续阅读我们对20世纪最具影响力的15个艺术和设计运动的综合指南。

20世纪初的艺术和设计运动

01.印象派和后印象派(Impressionism and Post-Impressionism)

《冬天的效果》(1882)，展示了克劳德·莫奈(Claude Monet)捕捉光线和色彩的天赋。

印象派是19世纪末在法国兴起的一种美术运动，少数画家摒弃了当时传统的强调历史或神话题材的画风，而倾向于描绘视觉现实，尤其是光、色彩和纹理的瞬时性效果。

七名画家是这场影响深远的运动的核心：克劳德·莫奈(Claude Monet)、皮埃尔·奥古斯特·雷诺阿(Pierre Auguste Renoir)、卡米尔·皮萨罗(Camille Pissarro)、阿尔弗雷德·西斯利(Alfred Sisley)、贝特·莫里索(Berthe Morisot)、阿曼德·吉劳明(Armand Guillaumin)和弗雷德里克·巴泽尔(FrédéricBazille)——他们一起工作和办展览。

印象派画家放弃了传统的柔和的绿色、棕色和灰色调，选择了更明亮、更具表现力的色彩，试图描绘出斑驳的阳光和水面反射等效果。

他们没有将灰色和黑色用作阴影，而是使用了一系列互补的颜色——物体用少量的颜料描绘，轮廓感不强。

后印象派风格的象征：保罗·塞尚的静物画《水罐与水果》(1894)。

后印象派接受了其前身运动的许多原则，同时也摒弃了其局限性。保罗·塞尚(Paul Cezanne)、乔治·修拉(Georges Seurat)、保罗·高更(Paul Gauguin)、文森特·梵高(Vincent van Gogh)和亨利·德·图卢兹-罗特列克(Henri de Toulouse-Lautrec)等画家也使用了同样纯净、亮丽的配色，以及富于表现力的短笔触，但他们也试图将作品提升到不那么短暂和实验性的高度。

比起不断变化的自然光及其对色彩的影响，塞尚和其他后印象派画家更关注固体的、永久性的物体，他们的静物画——比如塞尚的《水罐与水果》和梵高的《向日葵》——象征着这一运动。

02.工艺美术运动(Art and Crafts)

英国工艺美术运动奠基人威廉·莫里斯（William Morris）著名的《草莓小偷》壁纸作品，是艺术和工艺美学的完美典范。

作为对工业革命期间大规模生产兴起（以及相应的手工技艺衰落）的一种反应，19世纪下半叶，欧洲各地对装饰艺术的兴趣重新燃起——也就是广为人知的工艺美术运动。

这场新运动的先驱是改革家、诗人兼设计师威廉·莫里斯(William Morris)，他在19世纪60年代成立了一个合作团体，试图唤醒中世纪手工制作的品质。他们生产漂亮的金属制品、珠宝、墙纸、纺织品和书籍。

到了1875年，这个集体被称为莫里斯公司，到了19世纪80年代，他们实践的态度和技术启发了新一代的设计师，工艺美术运动由此诞生。

尽管许多人批评这种复杂的手工艺在现代工业化世界的实用性问题，但这种运动的影响一直持续到今天。

03.新艺术运动(Art Nouveau)

格拉斯哥一位艺术爱好者的住宅细节，由Charles Rennie Mackintosh于1901年设计，但确在20世纪90年代建造。

继工艺美术运动之后，新艺术运动主要是欧美的装饰运动。该风格的一个显著特征是使用有组织、不对称的线条，而不是实体的、均匀的形状——应用于建筑、室内、珠宝以及海报和插图上。

在错综复杂的铁制品、彩色玻璃、陶瓷和装饰性砖这些载体上得以体现，自由形状的线条优先于设计中的任何图案元素，这些形状往往灵感来自大自然中发现的精致形状，如花茎、藤蔓、攀缘植物、卷须和昆虫翅膀。

苏格兰建筑师兼设计师查尔斯·雷尼·麦金托什(Charles Rennie Mackintosh)是新艺术运动的领军人物，此外还有捷克平面艺术家阿尔方斯·穆哈(Alphonse Mucha)，以及西班牙标志性建筑师和雕塑家安东尼奥·高迪(Antonio Gaudí)。

阿尔方斯·穆哈(Alphonse Mucha)的引人注目的新艺术作品。

穆哈(Alphonse Mucha)令人惊叹的艺术作品，其中许多是为广告客户的商业委托创作的，其作品将流动的有组织的线条和新艺术风格的自然主题与性感的女性肖像相结合。

虽然装饰风格在1910年后不再流行，但由于伦敦、巴黎和纽约的一系列重要展览，它在20世纪60年代再次兴起，这些展览回顾性地提升了一种曾经被视为时尚潮流的风格。影响了时尚、音乐、设计和广告的国际运动。

04.立体主义(Cubism)

帕布罗·毕加索(Pablo Picasso)1907年的作品《阿维尼翁的少女》(Les Demoiselles d’avignon)，可以说是立体主义最著名的例子。

有两位艺术家在创立立体派运动方面发挥了重要作用：巴勃罗·毕加索(Pablo Picasso)和乔治·布拉克(Georges Braque)。与印象派和后印象派试图捕捉自然条件的富有表现力的尝试不同，立体主义是关于平面、二维、扭曲的物体——牺牲准确的视角，来支持超现实主义的碎片化。

立体主义这个名字来自艺术评论家路易斯·沃克塞尔斯(Louis Vauxcelles)的贬低性评论，他将布拉克1908年在L'Estaque的作品称为“由立方体组成的”。但在此前一年毕加索的创作的《阿维尼翁的少女》(Les Demoiselles d’avignon)推动了这一进程，画中将五个女性裸体描绘成断裂的、棱角分明的形状。

随着布拉克和毕加索继续探索如何用抽象的形状来定义熟悉的物体，1910-1912年这段时期通常被称为分析立体主义。当时盛行一种独特的色调，有棕褐色、棕色、灰色、奶油色、绿色和蓝色，常见的主题包括乐器、瓶子、报纸和人体。

1912年后，这种艺术演变为合成立体主义，在色彩日益丰富的艺术作品中融合了多种形状，运用拼贴技术探索纹理效果。布拉克和毕加索定义的这种视觉语言，后来被许多其他画家所接受，也影响了雕塑家和建筑师，如勒柯布西耶(Le Corbusier)。

05.未来主义(Futurism)

翁贝托·波西奥尼(Umberto Boccioni)的《笑》(the Laugh,1911)描绘了观察现代生活所产生的感受，被广泛认为是他第一部真正的未来主义作品。

未来主义于20世纪初创立于意大利，试图通过极具表现力的艺术作品捕捉现代生活的节奏、活力和躁动，最终美化了战争、法西斯主义和机器时代。这种美学风格后来传遍欧洲，尤其是传入俄罗斯。

该运动于1909年正式宣布，当时巴黎《费加罗报》发表了意大利诗人菲利波·托马索·马里内蒂的宣言，他创造了这一术语来描述他的作品是如何庆祝社会进步和文化创新的。

汽车等尖端技术被视为重要，而传统价值观——以及博物馆和图书馆这样的历史机构——则遭到强烈批判。

《空中轰炸门托》(Bombardamento Aereo)，作者是图里奥·克拉利(Tullio Crali)(1932年)，是一部晚期的未来主义作品，颂扬了空战的速度和力学。

未来主义的两个主要支持者翁贝托·博乔尼(Umberto Boccioni)和安东尼奥·圣埃利亚(Antonio Sant’elia)在1916年的战斗中丧生。然而，随着摩天大楼式的机械化城市的愿景得以实现，这种美学将继续在现代建筑中得到体现，而图里奥·克拉利(Tullio Crali)等艺术家将这种风格延续到了上世纪30年代。

20世纪中期的艺术和设计运动

06.建构主义(Constructivism)

亚历山大·罗申科(Alexander Rodchenko)独特的平面设计风格为许多俄罗斯宣传海报增光添彩。

建构主义受到立体主义和未来主义的强烈影响，是由苏联画家和建筑师弗拉基米尔·塔特林(Vladimir Tatlin)发起的艺术和建筑运动，他于1920年与雕塑家安托万·佩夫斯纳(Antoine Pevsner)和纳姆·加博(Naum Gabo)共同撰写了所谓的“现实主义宣言”。

与未来主义相似，建构主义崇尚技术进步和工业进步，其激进的美学将功能置于形式之上。正如它的名字所暗示的那样，美学实际上是用一组部件（如机器）“构造”艺术。其鲜明的风格被广泛用于苏联的宣传海报。

《用红楔击败白人》(1919)是El Lissitzky的宣传海报，描绘了红色布尔什维克在俄罗斯内战中击败白人运动。

建构主义的领军人物包括平面设计师、摄影师和雕塑家亚历山大·罗申科(Alexander Rodchenko)和艺术家、设计师和建筑师埃尔·利西茨基(El Lissitzky)。当塔特林和罗申科还在苏联的时候，加博(Gabo)和佩夫斯纳(Pevsne)将建构主义美学传播到了德国、法国、后来的英国和美国。

与此同时，利西茨基影响了总部位于柏林的“德斯蒂吉尔运动”(de Stijl movement)的艺术家和建筑师，以及包豪斯建筑学院(Bauhaus)教授、匈牙利画家兼摄影师拉斯洛·莫赫里·纳吉(László Moholy-Nagy)。

07.包豪斯(Bauhaus)

赫伯特·拜耳(Herbert Bayer)的海报简洁地总结了“包豪斯风格”的简单形状和原色。

由建筑师沃尔特·格罗皮乌斯(Walter Gropius)创立的包豪斯设计、建筑和应用艺术学院影响力巨大，于1919年至1933年在德国开办，当时被纳粹政权关闭。

这所学校试图在艺术和工艺之间架起一座桥梁——这与工艺美术运动的目标是一致的，尽管包豪斯更喜欢现代大规模生产，而不是个体的手工方法。

学生们参加了为期6个月的预备课程，导师包括约翰内斯·伊滕(Johannes Itten)、莱昂内尔·费宁格(Lyonel Feininger)、约瑟夫·阿尔伯斯(Josef Albers)、赫伯特·拜尔(Herbert Bayer)和拉兹洛·莫赫里-纳吉(Laszlo moley - nagy)，他们接受了从木工、金属加工到纺织品、图形和版式等各种工艺和理论的严格教育。

虽然最终的作品非常多样化，但包豪斯建筑的主要风格是简单、优雅的几何形状，结合大胆的原色——这种美学在学校关闭后很长一段时间内，就在平面设计、产品和建筑广泛应用。

08.装饰艺术(Art Deco)

这些引人注目的伦敦地铁海报由平面艺术家爱德华·麦克奈特·考弗(Edward McKnight Kauffer)设计，体现了装饰艺术美学的许多特点。

装饰派艺术是横跨西欧和美国的一场重要的国际运动，它的许多灵感来自新艺术，以及包豪斯和立体派的元素。它起源于巴黎，1925年的国际装饰艺术与工业博览会给它起了名字。

装饰派艺术设计的主要特点是风格化、优雅和精致，通过简单的流线型外形表现出来；风格化的、通常是几何装饰并精心使用昂贵的材料，包括天然和合成材料。

装饰艺术涵盖了建筑、家具、时尚、雕塑等多个领域，体现了20世纪30年代的颓废精神——洛克菲勒中心、克莱斯勒大厦和帝国大厦都是按照这种风格设计的。

虽然装饰艺术在二战期间有些过时，但从20世纪60年代末开始复苏，并且至今仍在继续为装饰艺术、时尚和珠宝行业带来灵感。

09.超现实主义(Surrealism)

萨尔瓦多·达利(SalvadorDalí)的开创性作品《记忆的持久性》(1931)是超现实主义的代表作。

与装饰艺术一样，超现实主义在两次世界大战之间的过渡时期蓬勃发展。它起源于20世纪初的“反艺术”达达运动，但它带来了一种积极得多的创造性表达，取代了达达主义荒谬、讽刺意味的氛围——对战争的恐怖和徒劳的消极反应。

在1924年，诗人兼评论家安德烈·布雷顿(Andre Breton)的超现实主义宣言中，他认为超现实主义是关于有意识和无意识经验的重新结合；弥合梦幻世界和理性现实之间的鸿沟。

领先的超现实主义画家包括：琼(Jean Arp)、马克斯·恩斯特(Max Ernst)、安德烈·马森雷(AndréMasson)、尼·马格利特(RenéMagritte)、伊夫(Yves Tanguy)、萨尔瓦多·达利(SalvadorDalí)、皮埃尔·罗伊(Pierre Roy)、保罗(DelvauxPaul)和JoanMiró——所有人都对这一运动有着独特的个人风格，以及艺术如何表达有时怪异、有时深感不安的潜意识的深处的东西。

与当代立体派艺术相对僵化的视觉语言不同，超现实主义艺术更加自由，强调象征性和内容，而不是外形。

10.抽象表现主义(Abstract Expressionism)

美国艺术家杰克逊·波洛克(Jackson Pollock)是抽象表现主义运动的核心人物之一。

从20世纪40年代开始，抽象表现主义运动推动了现代艺术的发展，正如我们在接下来的十年中所知道的那样。纽约是艺术中心，杰克逊·波洛克(Jackson Pollock)、威廉·德·库宁(Willem de Kooning)、弗兰兹·克莱恩(Franz Kline)和马克·罗斯科(Mark Rothko)等著名艺术家引领了潮流。

抽象表现主义艺术家经常在巨大的画布上涂满充满活力的颜料，这些颜料能唤起从暴力到感性的一切事物，以及其间的一切事物，这些抽象表现主义艺术家受到了各种先锋派艺术家的影响，他们于20世纪30年代末至40年代初来到美国，逃离了纳粹占领的欧洲。

与波洛克混乱、充满活力的风格形成鲜明对比的是，马克·罗斯科(Mark Rothko)的作品——如《紫色上的白云》(1957)——更冷静、更有条理，但表现力却丝毫不逊色。

抽象表现主义不同于它的前辈表现主义和后表现主义，它没有试图以任何程度的写实主义来描绘可观察的世界，而是传达一种情感的反应。虽然这一艺术运动作品具有的自由自发，完全抽象的本质是它们共同的因素，然而该运动融合了广泛的风格和技巧。

杰克逊·波洛克(Jackson Pollock)展示的一种变型被称为动作画派，它特别松散而富有动感，其特征是笔触有力、线条流畅，或者部分是随意溅出或滴下粘性颜料。而另马克·罗斯科(Mark Rothko)等画家使用更薄的颜料混合物，创作出了边距线条模糊的带颜色的扁平矩形。

20世纪后期的艺术和设计运动

11.瑞士国际主义风格(The International Typographic Style)

约瑟夫·穆勒·布罗克曼(Josef Muller Brockmann)设计的这些简洁、精美的海报，体现了现代主义的精髓。

尽管最广义的现代主义囊括了榜单上许多突破传统艺术表达边界的前卫运动，但现代主义艺术和文学的巅峰出现在第一次和第二次世界大战之间。

继二战(1945)之后，瑞士和德国的平面设计师发开启了一种有凝聚力、统一的现代主义运动，被称为瑞士国际主义风格。基于包豪斯的理性方法，这一运动——仍然被许多平面设计师所接受——是关于功能性和普遍性的。

逻辑的、模块化的网格系统提供了一个结构化的框架来对齐不同的元素，这是现在被认为是最基本的图形设计形式。与更具表现力的插图相比，摄影的无偏倚、图形准确性更受青睐，此外还有中性的无衬线字体，如Helvetica。

约瑟夫·穆勒·布罗克曼(Josef Muller Brockmann)是其中的一位领军人物，他设计的海报、出版物和广告，帮助定义了瑞士的设计美学——尤其是通过他的一系列苏黎世音乐会海报，这些海报结合了几何形状、大胆的色彩和干净的无衬线字体。

随着20世纪的发展，许多跨国公司采用了瑞士国际主义风格的简洁统一，为商标、颜色和字体创建了品牌视觉指南，确保在所有媒体上得以一致地应用。

12.波普艺术(Pop Art)

流行艺术运动最受喜爱的标志之一，是安迪·沃霍尔(Andy Warhol)的玛丽莲·梦露(Marilyn Monroe)标志性版画。

主要是英国和美国的文化现象，在20世纪50年代末和60年代引起关注，波普艺术被艺术评论家劳伦斯·阿莱塞(Lawrence Alloway)命名，因为它的流行文化普遍性高，通常应用在不起眼的标志性物品——如汤罐头、路标和汉堡包。

它的灵感的来源于从电视到漫画书再到广告，摒弃了“高雅艺术”的自命不凡，也摒弃了抽象表现主义富于表现力的主观本质，转而青睐大胆的平面版画。

尽管许多当代艺术评论家嘲笑波普艺术粗俗、煽情，但波普艺术包容性、亲民性和民主性的本质却受到了其他人的赞扬——它还受到了上世纪20年代“达达运动”(Dada movement)的一定影响。在第一次世界大战之后，“达达运动”也对欧洲高级艺术进行了嘲讽。

罗伊·利希滕斯坦(Roy Lichtenstein)利用商业印刷中的彩色园色点和平底色调，对连环画进行了风格化的描绘，这是另一种流行艺术的主题。

罗伊·利希滕斯坦(Roy Lichtenstein)对漫画书场景的印刷复制品，是波普艺术美学的一个特别引人注目的例子，安迪·沃霍尔(Andy Warhol)对从肥皂盒到名人的各种物品的重复丝网版画，也是如此。

与大卫·霍克尼(David Hockney)和彼得·布莱克(Peter Blake)等英国波普艺术同行相比，这些美国艺术家的作品风格鲜明、生动，他们对大西洋彼岸的波普文化采取了更为主观，近乎浪漫的看法。

13.极简主义(Minimalism)

弗兰克·斯特拉(Frank Stella)的《哈兰二世》(Harran II, 1967年)是线条、形状和色彩之间令人着迷的视觉互动。

极简主义以极简的形式和非常真实、客观的方式为特征，它起源于20世纪60年代末的纽约，其原因是对抽象表现主义中动作绘画自发的、混乱的主观性的不满所驱动。

对于极简主义者来说，这种风格太过空洞和个人化——他们认为艺术应该是干净和独立的，没有外部参考。硬边、简单的形状和干净的线条主导了二维平面艺术作品。

抽象表现主义对这一运动仍有一定影响，但主要是受马克·罗斯科(Mark Rothko)、巴尼特·纽曼(Barnett Newman)和莱因哈特(Ad Reinhardt)等画家更为冷静、更有组织、更有条理的色彩领域作品的影响。

埃尔斯沃斯·凯利(Ellsworth Kelly)的第一个完全抽象的浮雕作品《地中海》(Mediterranee,1952年)由九个彩色正方形组成的网格组成。

最终，极简主义是关于探索一种艺术形式的基本元素，剥离无关的细节和情感表达，支持客观、纯粹的视觉元素，这些元素可以被解释。

从最广泛的意义上说，极简主义在品牌、UI设计和包装等领域获得了显著地复兴，这在很大程度上要归功于苹果(Apple)和谷歌等有影响力的全球公司，它们将简洁的美学置于装饰之上。

14.后现代主义(Postmodernism)

这张由April Greiman和Jayme Odgers为WET杂志(1979)设计的封面，体现了后现代主义美学。

现代主义推崇社会进步和乌托邦的理想主义追求。无论是宗教上的还是科学上的，它都是关于普遍原则如何理解世界，现代主义艺术家更注重形状、技术和过程，而不是作品的主题。

后现代主义是对这种态度的一种反抗。取代理想主义和理性的是怀疑主义，怀疑和对可以描述我们周围世界的普遍真理的否认。后现代主义艺术家提倡复杂的个人体验和阐释，而不是简单明了的抽象原则，由此产生的审美是多层次的，往往是矛盾的。

到了20世纪70年代末，许多在现代主义传统下工作的设计师觉得它已经失去了创新精神，变得陈腐和学术化。他们质疑国际印刷风格中死板的“形式遵循功能”的理念，他们受到启发，打破规则，打破网格，挑战期望，引入装饰性、颠覆性，有时古怪的设计元素。

April Greiman是一位特别受欢迎的后现代主义设计师，经常与摄影师Jayme Odgers合作，进行色彩缤纷的蒙版和创新的排版实验。例如，他们在wet杂志封面，用有纹理的纸张和喷绘过的颜色拼贴彩色影印本。

威廉·朗豪泽(William Longhauser)在1983年的海报中，将建筑师迈克尔·格雷夫斯(Michael Graves)的名字做成后现代派风格。

这种风格的另一个主要倡导者是威廉·朗豪泽尔(William Longhauser)，他使用动态几何图案创建了有风格的排印布局。在1983年的一张特别海报中，他用几何形状建造了后现代主义建筑师迈克尔·格雷夫斯(Michael Graves)的姓氏，这些几何形状暗示了格雷夫斯建筑中发现的形状、图案和纹理。

自上世纪90年代末以来，后现代主义在某种程度上已经过时，尽管颠覆性的“反设计”美学在某些领域确实受到欢迎，比如音乐和独立出版。然而，尽管有各种各样的尝试来定义这一时期——包括后后现代主义、跨后现代主义、后千禧年主义、伪现代主义和元现代主义——但都没有得到主流的认同。

15.孟菲斯(Memphis)

孟斐斯集团在20世纪80年代设计的一组家具和物件。

孟菲斯的设计美学借鉴了许多后现代主义的原则，挑战了此前中性、朴素、实用的现代主义。孟菲斯集团(Memphis Group)主营家具设计，由意大利设计师埃托雷·索特萨斯(Ettore Sottsass)于上世纪80年代创立，仅仅经营了6年。

色彩缤纷艳丽的家具是这场运动的核心，但这种美学影响了后来的时尚、平面设计等等。简单的几何形状，平面颜色组合在醒目的、对比性调色板上，带有黑白条纹和抽象波浪线的风格化图案——这些都是孟菲斯风格设计的成分，它受到波普艺术和装饰艺术等早期运动的影响。

这里列出的有些运动在其鼎盛时期都享有相当长的生命力，并在许多不同领域影响了数以百万计的创意人士。随着新的态势和方法站稳脚跟，许多运动引发了新的运动，或相互补充，或相互矛盾。

孟菲斯是最典型例子之一：30年前，少数意大利设计师创造了一系列怪异、媚俗的产品，如今，他们正在影响着新一代的设计师。