在UI设计界，十年前一边倒使用摄影图片作素材的时代已经一去不复返了，也许是因为版权的严格，抑或对于视觉创新的需要，越来越多采用插画来作为创作的素材。并且预测将会是未来具有压倒性的视觉趋势。

但是很多设计师依然很茫然，虽然知道要学习插画，插画却是一个非常大的领域，其中风格种类繁多，甚至一个人就是一个风格，那么零基础没有美术基础的插画师又该如何学起呢？应该看什么书上什么课程呢？扁平插画为什么对于设计师这么重要呢？

先来讲个关于发现的故事

在N年前，当大家都在用精美的照片做UI界面的时候，我拿着自己刚刚做好的十分满意的网页界面，当时就对朋友提出了一个问题：“假如我没有找到这么多好的图片素材怎么破？假如世界上没有这么优秀的摄影师，也没有拍出这么好的图片素材怎么破？难道我们的优秀设计只是凭借运气吗？”

大家都在动辄“原创”“版权”的时代当中，这个疑问摆在我心里很久：我们设计师的作品有多少是真正百分百原创？直到后来又重读《世界平面设计史》的时候，发现早在一百多年前，一个海报制图员兼印刷厂工人，或多或少都是一个画家。

由于我一直都试图在从历史的源头当中去找未来发展的脉络，这点细枝末节给了我一个巨大的警醒，那就是：以前在还没有摄影或者说摄影图片素材来源并不容易的情况下，一张海报的设计通常都需要创作者一笔一画开始“画”起，同时也需要创作者自己“画”文字。原来，设计不应该是“拼”出来的，而是“画”出来的。

这对比现在我们信手拈来就用它的字库字体，高清素材……尽管我们出稿肯定比以前快，却丢失了设计师最不应该丢失的东西，那就是原始的那种创作的idea。那种本来应该由设计师来安排这个画面天空应该是什么颜色，人物应该是什么动作，现在却都一股脑被摄影师的镜头承担了。设计师其实被退化成了一个素材挑选员+拼装员。

其实这个结论是很可怕的，大家都知道人工智能将来会替代掉我们大部分人的基础工作，而挑选素材以及拼装素材就是一个非常基础的工作，只要你看得足够多，掌握规律，你就能胜任的。试问我们有谁能比机器看得多呢？

而我们和机器的差别，最主要就是我们有情感，所以插画刚好是能承载你的个人情感的。这个核心就是我能想到的逆向方案：我们不能和机器比快、比效率，我们唯一的优势只能是我们的idea。

所以，一开始我学习插画，就是奔着要完整的呈现自己的idea去的。尽管那时用插画来作素材的界面很少。大部分插画要么是出现在包装设计上，要么就是书籍配图，但是我一直想要把插画用在UI界面里。并且在网页中呈现什么样的形式最合适，当时我并没有一个头绪。因为前面两类插画，在以前还是以细节繁复的画面为主要趋势，书籍的配图由于涉及到儿童类读物比较多，所以那时的插画都是以卡通可爱的形象居多。而这些配图如果用在UI界面里，多少和当时刚刚开始盛行的扁平简约风格有点违和。

对于插画的另一个领域是在游戏原画，CG插画这样的印象中。通常人物都表现得非常性感，帮助游戏公司宣传，激发宅男的点击欲，很注重写实和用光。说实话，我对这一类插画风格始终提不起兴趣，也仍然觉得它过于复杂，不够简约。那时其实早已买了数位板，所以学着画了一段时间的CG后，我放弃了。

画画是一种右脑思考的方式

虽然我以前学过美术，但是工作以后就没怎么碰过。总是想重新提起笔，但是又因为工作关系不得不打开电脑。尽管有美术基础，很长一段时间却是被冰封搁置的。

素描是基础，这大概没有人会不同意。但是素描怎么学，却是大问题。很多人大概都没有时间也没有耐心从枯燥的几何体开始画起。网上铺天盖地的课程，也大都走学院风格，系统性学习需要消耗大量时间。因此，这对以996加班见长的设计师来说，不科学……

我一直很推崇的一本书就是《像艺术家一样思考：五天学会绘画》，看完这本书，跟着画，你其实可以不用那么苦练多年素描，然后画得和学院派一样好以后再来学画画。只要你找到的那个核心方法，你就可以把这套方法适用于任何的绘画形式中，哪怕是一个涂鸦。

这本书同时也是帮你厘清最基础的绘画的概念，比如空间、形状、光影、透视等等。经过这一系列练习，你或许并不能画得多好，至少可以对绘画有一个正确且深刻的理解。

我不推荐太多的相关资源给大家，只一本书，其实就够了，在画的过程中，你会产生新的问题，而新的问题又会释放出更多新的答案，你会找到属于自己独有的学习路径，而我在这里只是提供一个起始点给你参考。

素描和速写：一个输入、一个输出

光影不止让画面变立体而已，对于光影，很多初学者都是一头雾水。经过我们扁平插画研习社学员的作业反馈的情况来看。大家的问题主要就集中在：

1）找不准光源

2）不知道如何简化光影

3）忽视光影的色彩

4）表达光影细节容易出错

……

（一）通过素描来看世界

其实，真实的世界永远是我们学习灵感的巨大宝库。所以这也和上一步的素描结合，素描不是教会你画画，而是教会你观察。

你可以认真观察一只苹果，然后把这个苹果画下来，画的过程中体会光线从光源射入到苹果表面产生的光影变化，这些光影变化，通过素描描绘下来，就是变成素描里最基础的五大调。

画苹果的过程，就是一个记录光线和物质如何互动的过程，这个过程中，你还会观察到苹果表面的色彩，纹理……这些信息串联起来，得到的绝不仅仅是一个苹果长什么样，而是光线在这个视觉世界是如何运作的。而这是我们画画所需要的最关键的信息。

（二）速写生活细节

光影还藏在生活的所有细节里，如果你没时间画一幅素描，假如你是每天通勤地铁往返忙碌，你依然可以通过观察所有呈现在你眼前的光影来收集信息：比如你老板脸上的肌肉所产生的光影，一杯水在日光灯下的光影表现，你的爱人的手指……哪里是暗，哪里是明，哪里的阴影有边界，哪里的边界是模糊……

素描就是一个帮助观察的过程，但观察可以是任何形式。所以，素描可以简化为速写，每天一分钟，快速表现一个物体。一盒下班回家途中便利店买下的巧克力，一顶看中但没买的帽子，一个人的背景……

速写可以在A4纸上画，也可以在餐巾纸上画。可以用铅笔、钢笔等等。不要拘泥形式。

素描和速写，它们绝对是学习插画的两只翅膀。一只用来帮你看清视觉关系，一只用来表达你所看到的一切。一个输入，一个输出。两者都不能偏废。

（三）两种节奏

一开始学习画画，你要勤练素描，一天一幅都不为过。一开始你可以画圆形的物体，比如水果。慢慢开始就可以画方形的物体，桌子凳子。再然后就给自己增加难度，比如画稍微复杂一点的，比如鞋子、房屋等。

物体画得差不多了，就可以画人物、植物、动物、慢慢扩大到外景、室内景物等。（人物可以放在 最后学习，因为人物的难度最大）

差不多半年，都要保持一两天一幅这样的节奏去学习素描，耐住寂寞。看着自己画技渐长，你就可以尝试开始速写。

速写要用的就是快速表达的节奏。因此，你不能往细了去画，而是粗略表现即可。速写可以很快完成一幅，所以每天练个十分钟，表现各种出现在你眼前的场景事物，想哪画哪。一支削笔刀、一颗树、一座山等等。

这时感觉自己素描的基础稳定以后，素描练习的频率就可以降低，而改用速写取代素描了。素描可以换成一周一次或者半月一次，而速写就可以每天来一小幅，1~5分钟，以想象的场景为主。假如你今天决定画鼠标，你突然想不起来鼠标的细节，这时就可以拿鼠标来看看，再观察观察。不要看着画，而是抛开物体本身继续画。

最终要达到一个效果：用速写的速度，快速表现素描的品质，并且可以不用参考物体，就能画出光影细节。这时，可以说基础阶段就差不多了，可以缓一缓。

但是这个练习要一直持续下去，永远不可丢弃。

从艺术中扎根

其实绘画的形式有很多：油画、水彩画、水粉画、丙烯画、彩铅画、水墨画、木刻版画……太多了。但是我们都要学吗？当然不是！这里大家可以参考我的学习路径。

（一）从彩铅进阶水彩

我一开始是热衷素描的，但是画着画着就觉得黑白灰有点枯燥，而我本身对颜色有极大兴趣的。所以，我就想到用彩铅来取代素描。彩铅的魅力是可以采用叠画法，尤其是油性彩铅叠出不同的色彩层次，效果就会看起来比素描要吸引人。

所以我就换成用彩铅来表现，彩铅也可以在网上买书来学，或者报网课，跟着老师练。但是最重要是看自己是否真喜欢。这个过程中，兴趣非常重要。由于是自由职业，所以有段时间，我是白天接单做设计，晚上就雷打不动坐在桌子面前练彩铅。

一开始用临摹为主，因为你会发现彩铅和素描，虽然都是铅笔，但是还是有很大不同。慢慢熟练了，自己就可以尝试对着照片来画。学会创造细节，而不是再现细节。

彩铅可以帮助你对色彩表现的理解，比如光影表现中，阴影不止是暗色，同时也会有其他颜色夹杂进来：周围光线的色彩、旁边的物体的色彩、物体本身的色彩等等。

除了彩铅，我还很喜欢水彩，所以后来也开始学水彩。水彩仍然有不同的表现风格，但是它的用色逻辑和彩铅比较类似，也是慢慢一层层叠色，直到最后能表现一个完整的物体。只是水彩看似更大胆，可以把一个物体解构得更彻底。

水彩依然是加强你对色彩的控制力，就像彩铅plus的感觉。所以，在我的体系里，水彩是彩铅的晋级课。

同时我还间杂学习了国画白描、书法等等艺术表达形式，以及漫画和线体画风都能帮助我理解线条表现等等。

（二）手绘不等于手绘板

可以说学习任何的手绘性质的绘画形式，都是可以根据自己口味自由搭配的套餐。它们虽然没有直接和插画产生关系，但是它能帮助你深入到艺术创作的核心，这是任何老师、课程、书籍都不能告诉你，也无法组织成语言传达给你的。

你有了这一个层次的熏陶，才会真正成为一个创作者，而不是一个临摹者。也不会叫苦说自己只会临摹，技法都知道，但是创作有难度了。

现在有人已经用ipad来画画，我还是建议大家在纸上画起。我一开始和大家说过，源头的重要性。而手绘可以说是艺术表现的源头（大家不要把手绘和手绘板划等号），真正的手绘，和真实的颜料接触，真实的感受画笔接触到纸的那种沙沙声。这种体验是电脑软件无法取代的。

比如大家知道数码绘画的优势最大就是用色无限宽广，还可以及时调色，但是老天永远是公平的，给了你方便就会给你另一种不方便。你用颜料调出来的颜色会让你更深入理解这个色彩，比如你要调出一个暗灰黄绿色，也许你就会用普通的绿色+柠檬黄+棕色去慢慢试着得到这个理想中的色彩，而不是直接通过软件选色得到。后者帮你省略了思考的过程，而让你其实和这个颜色并没有真正有接触。这和谈恋爱认识第一天就结婚，但并没有经历恋爱过程是一个道理。

这是软件对比手绘的弱势，也是我认为无论多好的工具，如果你的手绘不合格，你软件出稿后的效果也并不会惊人。或许你可以临摹、模仿得到优质的效果，但是你永远原创不出真正高品质的令人印象深刻的作品。

而手绘，也是一个很漫长的训练过程，甚至可以说是无止境的。因此你可以给自己多一些耐心，就像每天人需要依靠主食才能生存，手绘就是插画的主食，软件只是末端的工作，类似于一个小甜品。

扁平插画 VS 传统插画

扁平插画其实是个不完整的概念，但仍然找不到其他可以替代的词语来形容目前在UI设计界的一股清新的简约风格的插画。

一开始学习扁平插画，只有一个途径，就是网上的“教程”，而这些教程最早在国内几乎看不到，国外的一个叫做TUT+的网站倒是有的，此外就是油管上的设计师分享的视频。我想，这是我当时仅能接触到的唯一学习扁平插画的来源。

所以一开始学习是很盲目的，但总是有踪迹可循。我相信那段时间很多插画界的大神也可能发现了这个趋势，有少数人快速转向到了扁平插画。虽然没有教程，但是我们看到了很多好作品。有了好作品，只要学会观察它们，连带着自己扎根下的美术和软件基础，拆解一个作品的绘制过程就很容易了。

比如扁平插画有几何简单形状风格的作品，

有颗粒感很强的作品

有结构很强的理性派作品

还有手绘风格明显的随性风格作品

……

虽然扁平插画风格也不一，总有一个大概的方向的感觉，就是它看起来简单，容易在简约风格的平面设计中应用。画起来似乎也并不耗时（事实证明如果你是初学者，省时只是个假象）

如果把扁平插画风格拿来和传统插画风格一对比，就能看出差别在哪里。而我感受到最大的差别就是，扁平插画很容易应用在UI界面当中。尤其是简约风格的界面设计当中。当涉及到自由扩展，矢量出稿的扁平插画更具有应用上的优势。此外印刷类设计，用扁平插画，尤其是纯色、线条等等表达时，明显也更省成本。

虽然这两年，扁平化也有借鉴传统插画中的各种纹理表现来增加画面的温度感，同时，传统插画也有朝向扁平插画在不断做减法的趋势。

所以，这是我在众多插画风格种挑选扁平插画作为主攻对象的理由。因为我们画的插画，也许会是帮助呈现一个商业前景、一个产品特性介绍、营造一个节日氛围……还要考虑到整个版式的设计、文字的搭配，所以，它不能只是一幅艺术作品。你必须考虑到它应用后的效果。

而这时我再找全网的所有书籍、课程，几乎都没有看到针对扁平插画的专门系统性的学习。虽然国外已经有好些网站都用扁平插画作为配图出现在UI界面中，但它仍然在萌芽阶段。所以，我才开始做了扁平插画研习社的想法。想聚集一群人来，大家共同学习研究探寻扁平插画的可能性。

虽然我是课程老师，但是我希望这个课程是由大家一起学习来推动的，你们可以找到更好的表现方法，可以探索发现更有趣的表现扁平插画的形式……我们说光影应该如何表现，但是如果你有更好的方案，你的表现更优，你就是老师。大家都可以一起学习你的方法，而不是课程里的方法。这就是我的愿望。我也因此透过这个课程在不断学习。

有了美术基础，但是依然表现不好扁平插画怎么办

这是部分美术生最常问到我的问题。其实也是涉及到一个过程：简化。

其实扁平插画是写实和抽象的结合，它游走在表现的两端。为此，你可以多阅读关于抽象绘画的资料，把早期抽象画派的作品拿来研究就会发现，原来扁平插画一早就诞生了。这时，作为一个扁平插画爱好者，有种找到组织的感觉。

所以简化就变得不那么可怕了，至少它提供给我们一个思路，就是：丢弃掉外在形式。虽然在丢弃，却又可以维持原有物体的识别度。这是一个动态的微妙平衡。大量练习看待物体的方式，出稿自然就变得越来越合理自然。

而这也是我们练习的重点。有很多扁平插画研习社的学员一开始画得都很写实，画着画着就会找到这种几何感，找到扁平的视觉表现语法。这是在动手做当中所产生的心得。

所有我们目所能及的物体，都能简化到最后只剩下圆形、方形、三角。所以我们反向出发，就能构建一个丰满生动的形象。我们可以控制简化的比例，也可以增加细节，巨大的空间留给我们发挥。

用什么工具表现扁平插画？

目前我经常用的软件就是AI（Adobe illustrator），因为它是矢量的。如果你非要说用PS也能画，那也是对的。之所以选择AI，只是因为它的矢量工具更齐全，功能更强大。对比PS以像素为基础的软件，它更符合矢量的特征。

由于扁平插画用色不需要太复杂，所以在AI中用简单的颜色表现，只要控制好形色关系，就会是一幅非常优秀的作品。

而PS胜在色彩和纹理细节的处理，所以我也经常用PS来调整已经在AI当中画出的插画，并且利用PS的笔刷来增加颗粒感。

其实颗粒感的增加还可以利用图案，任何在PS中可以用在图片素材的技巧，都一样可以用于插画。

假如你对软件操作也比较生疏，刚好可以通过学习扁平插画来进一步了解AI这个工具。我们的课程从2020年3月16日起已经开始了第4期，经过前三期的优化，课程已经日渐成熟。

首先学习的形式是每日打卡，完成每天作业以后，我会根据大家的情况进行一对一的点评，并且帮助大家找到自己的需要提高改善的点。每日给自己种下一颗插画的种子，虽然课程只有24天，持续不到一个月，但是却能帮你开启一个新的学习节奏。

每天我还会根据大家作业的情况，在微信群里反馈问题，交流分享。也提供一些练习来帮助没有美术基础的设计师进一步快速掌握基础训练的要点。

总之，这或许是从来没有过的学习方式，也是一个非常崭新，仍然处于一片蓝海的插画风格。作为设计师，你不可能错过。

Powered by Froala Editor