就在前段时间，很多设计师反映追波上出现了许多新的华人团队，作品相当“突出”。突出到什么程度了这里大家可以看下。

抄袭作品

原作者: Malika Favre

抄袭作品

原作者：MUTI

抄袭作品

原作者：Paulius

      这些抄袭者费尽心思的提高人气，快速的手法就是模仿优秀设计师的作品，这样既避免了漫长的思维创意期，又能批量输出，确实是提高人气的“捷径”。话又说回来，这些抄袭者大部分都是入行不久的设计师，他们有设计的技法和能力，却苦于不懂得创意。一味地去照搬和抄袭，这样是对自己的不尊重，更是对原作者的不尊重。

那么“新手”该如何避免误入歧途，同时打造一副属于自己的插画呢？

      我们这里把“抄袭”这个字眼换做“借鉴”。“借鉴”相比“抄袭”来说温和了许多，但是借鉴还是会有自己的底线。尽力去做到不会被别人看出来你的插画完全是取自于某个具体的设计师。

我一般将插画创作步骤分为六步：

一、确立主题

二、草稿手绘

三、寻找素材

四、颜色比例

五、质感细节

六、三步校色

希望大家学习的时候多关注的是创作思路，而不是方法技巧。

1.确立主题

一副好的插画，一定得有一个确定的主题，对于主题的打磨和思考至关重要。比如，最近去爬山，就可以用插画方式记录下爬山时候的情景，去旅游，就记录下自己旅游时候的情景，相信很多朋友在旅游的时候都不会忘了拍照的。更简单的，将自己的工作环境表现在插画中，甚至还可以美化一下，自己想象的工作环境应该是什么样。这种结合自身环境的创作，很大程度上会避免了抄袭，而且对自己的创意思维能力提升很大。

我以自己的这幅作品为例。这幅作品的灵感来源于我之前一直喜欢的极光。

 也许是对于极光的向往导致了，我一直想要来一场属于自己的极地旅行，然而一个人肯定不安全的，所以需要约上同行的朋友一起去看。

通过对自己想法的分析，可以提取一些主题关键词 极地、团队、朋友、带领。

在插画构图初期，我大致的想法就是我和朋友们到达了某一个极光观测点。有了这个想法就可以进入草稿手绘阶段。

2.草稿手绘

对于自己前期的确立好的主题，脑袋里大致已经有了插画场景的最初模型，可以进入手绘阶段。好多朋友抱怨自己的手绘不是很好，说实话我的手绘也很烂，你看…你们能有我画的丑嘛？

手绘可以分为好几个阶段，前期先天马行空的多画一些场景，人物难画，可以先用圆形、三角形、矩形这些简单的几何元素去代替。有了主题关键词和大致的场景，我们可以对我们想象的画面进行细化。例如我们现在是在极地，极地有冰山有冰河，那么我们可以找寻一些有山有河的照片或现有的设计师的设计作品，去看看其中的山河平原是如何分布的。如果我们找到一副场景和自己预想的场景相近或相似的排布画面，那我们可以将其中的排布方式应用到我们的手稿中。这种方式可以重复多次，尽量多出几张手稿。下面三张张是我当时选择的场景参考图。

原作者：Ryan Ahmad Yunus

原作者：Matt Carlson

原作者：Matt Anderson

说实话，如果不在这里强行做对比，只看到我作品的时候，很难联想到这些优秀设计师的作品。这里强调一下，参考场景图只参考其中的元素的排布方式，不能被参考图的颜色质感影响到我们最后的画面。

最后，看着我们这些已经画好的手稿，对比下 哪一个后期实现更容易一些，我们便选择它作为我们细化的终稿。

3.寻找素材

接下来一个非常重要步骤就是细化和寻找素材，这时候可以在电脑上执行了。寻找素材首先要多思考，方式类似于思维导图的发散思维。比如，极地环境不可能只有山和河，山上还有松树，河里还有未融化的冰块，到处都是，有可能还有动物，北极熊，企鹅，都可以融入到自己的画中。

很多朋友的作品，过于简单和单调，就是因为考虑的东西太少，画插画的时候总是参考别人作品的在前，自己创作在后，这样很容易被别人的作品所影响。我们应该时常反向思考，为什么我们不先自己有想法在前，去找参考在后呢？这样不仅能避免抄袭，而且更能锻炼我们的独立创作能力。

譬如就拿我的这幅作品来说

创作到一半时遇到这种情况，悬崖底下大片空白，加入植物显得乱不加显得空，怎么办？去找参考！后来参考Matt Anderson的作品，大家看下图，我们可以借鉴其中的丘陵元素，让空白的平原中多些层次多些细节。如果没有这副参考做对比的话，一般人很难将这两幅图联系起来。

原作者：Matt Anderson

悬崖上需要有人物，但是我脑袋里不知道这种极地人员应该是什么穿着，嗯，找参考。去搜滑雪人物图片和背包客参考图片，让背包客们穿上适合在极地穿的冲锋衣，就这样。

图片参考来源于海洛创意

对于画面中每个元素的摆放，添加或者删除，都要有理有据，包括最后如果单纯需要一家三口站在悬崖上，他们长什么样到底在干什么，我们需要思考清楚，是在拍照还是在眺望远方，这就需要作者自己定义，然后去寻找相应的参考。这里就不再一一举例。

4.颜色比例

在寻找素材阶段，我们首先确保画面已经足够丰满，画面元素足以表达主题。这时候才可以进行配色和比例的调整。还是拿我这副作品当例子，极地的世界不是蓝色就是白色，所以主色我选择了蓝色，其他元素的颜色就是以蓝色为基础去搭配。

需要注意的是：

1. 整体画面需要一个主色，辅助色和点缀色加起来尽量不要超过四种。

2. 多去尝试颜色的搭配培养自己的色感，如果色感较差就去网上找参考，不管是照片还是成熟作品都可以，但切记不要只照着一副已经成熟的作品去吸，多试几种不同方案。

3. 比例方面，掌握“近大远小”，“近实远虚”。

4. 透视方面，一定要注意整体画面的透视问题，风景插画要注意空气透视。

5.质感细节

颜色和比例确定之后，插画离完成不远了，这时候所谓的质感和细节，决定着插画的风格，是平面，还是写实，还是介于二者中间。我们绘制一副插画，要根据使用的场景来确定插画的风格。对于本人而言，还是喜欢介于平面和拟物中间的风格。

纯平面的插画，创作简单效率高，但是质感细节单一，如果没有好的构图和场景很难出彩。

作者：erics

拟物风格的插画，细节十足，质感强烈，但是对设计师技法要求很高，创作周期较长，不适用于快速迭代的互联网产品。

作者：Mike

所以如今追波上流行着一种颗粒质感插画的风格很受大多数设计师追捧。它的风格就是介于平面和拟物之间。

作者：Anano Miminoshvili

为了突显我的个人风格，我选择了一种更为细腻的处理方法，大家可以作为参考。

首先善用渐变。自然界中很少有颜色单一的物体，由于受到环境光照的原因会有部分颜色与固有颜色不同，我们可以把这种自然现象运用到自己插画中。拿作品举例，大家可以观察蓝色衣服人，他的左手臂的蓝色和衣服本身的蓝色并不相同，那是因为受到了后面太阳光的照射。每个人的鞋子都不是单一的颜色，现实中，人的鞋会踩到雪，所以鞋子的底部颜色要更泛白一些。这些小的经验和常识有助于我们对作品细节进行优化和丰富。

其次，添加质感。例如布料的衣服可以叠加布料的材质，平静的湖面可以叠加水面波纹材质，使其感觉更加真实，更加富有细节。也可以给整体画面加入一些滤镜，例如胶片滤镜，电影滤镜，都可以进行尝试。勇于尝试，说不定你会有新的发现。

6.三步校色

调色对插画的后期合成起着至关重要的作用。如果没有很强的色感和配色能力，一般情况下，插画配色完成后，虽然颜色搭配和谐，但是整体缺少一个基调。

还是寻找极光这幅作品举例，配色完成后，为了展现基地的寒冷，往往整个插画的调子应该是偏冷色的，但是我使用的红色和黄色可能是偏暖的，与整体风格不符，所以我们使用三步较色法，对整体画面颜色进行调整。这是网页合成设计中的基本调色法。

1.使用色调和饱和度图层，减小整体饱和度。这是为加入冷调打基础，否则调色后整体颜色会过于鲜艳。

2.使用色彩平衡图层，在中间调中加入少量蓝色和青色，暗部加入少量蓝色，因为太阳光是白色，所以亮部不加颜色。具体调色视插画整体氛围而定。

3.最后使用亮度对比度图层，对插画进行最终的调节。它的作用是抵消第一步中降低的饱和度，使整体画面更加突出。这里我进行了亮度减少，增加对比度的调节。具体调节参数视具体情况而定。

使用三步较色法后，插画就完成了，可以把调色前和调色后进行对比

调色前

调色后

是不是明显能感觉出来调过的颜色会显得更精致，整体氛围更融洽。所以调色这个阶段在绘制插画的过程中是必不可少的。

到这，插画就算完成了。如果我们按照这六部插画法去创作，每一幅作品都是经过认真思考和创作，那么时间长了，我们就会逐渐形成自己的风格。十年磨一剑，用心去打磨，争取每一副作品都在突破自己现有的能力，这样我们才能打破瓶颈提升自己。设计之路没有“捷径”，愿每个人都尊重设计，同时也是尊重自己。

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